Coreografia, a arte de criar e organizar danças. A palavra deriva do grego para "dança" e para "escrever". Nos séculos XVII e XVIII, realmente significou o registro escrito de danças. Nos séculos 19 e 20, no entanto, o significado mudou, imprecisa, mas universalmente, enquanto o registro escrito passou a ser conhecido como notação de dança.
dança: Coreografia
Coreografia é a arte de fazer danças, a coleta e organização do movimento em ordem e padrão. Mais recente
Um breve tratamento da coreografia segue. Para tratamento completo, consulte dança: Coreografia; dança ocidental.
A composição da dança é criativa da mesma maneira que a composição da música. A notação da dança, no entanto, é um trabalho de análise e reportagem, realizado geralmente por outras pessoas que não o coreógrafo, em linguagem ou sinais que podem muito bem não ser entendidos pelo criador.
Durante o Renascimento, mestres de dança na Itália, como Domenico da Piacenza, ensinavam danças sociais na corte e provavelmente começaram a inventar novas ou organizar variantes de danças conhecidas, combinando uma função criativa com as educativas. O balé encenado empregava os mesmos passos e movimentos da dança social e diferia principalmente do arranjo do piso e da projeção visual.
No século XVI, os mestres de dança da corte francesa organizaram os padrões de solo e os contextos teatrais e artísticos de suas danças sociais, a fim de iniciar uma forma coreográfica, o ballet de cour. Nos dois séculos que se seguiram, a lacuna entre dança social e dança teatral aumentou até o balé, no século 19, alcançar um vocabulário basicamente independente.
O mestre de balé da época, o coreógrafo, era um arranjador da dança como arte teatral. O gigante da arte coreográfica do final do século XVIII foi Jean-Georges Noverre, cujos trabalhos e escritos fizeram o dramático ballet, ou ballet d'action, celebrado. Nele, o balé incorporou mímica e danças acadêmicas, dando expressão à dança pelo contexto narrativo e histriônico. Depois de Noverre e seu contemporâneo Gasparo Angiolini, outros desenvolveram essa tendência de várias maneiras - especialmente Jean Dauberval na representação realista do folclore contemporâneo, Charles Didelot em direção à ilusão e fantasia românticas e Salvatore Viganò no uso dramático do conjunto (coreodramma) e naturalidade do gesto trágico.
Os coreógrafos do movimento romântico empregavam balé, codificado por mestres como Carlo Blasis, principalmente nas formas teatrais de ballet d'action da época de Noverre ou em divertimentos de ópera (interlúdios balléticos). A bailarina, seu papel destacado pelo recém-inventado trabalho de ponta (posição de equilíbrio na ponta extrema do dedo do pé), e a fêmea corpo de bailado adquiriram novo destaque. Os coreógrafos que melhor desenvolveram a arte da narrativa teatral de dança foram August Bournonville, em Copenhague; Jules Perrot, particularmente em Londres e São Petersburgo; e Marius Petipa, que em São Petersburgo trouxe o espetacular ballet d'action clássico para o seu auge em obras como A Bela Adormecida, em que suítes extensas e complexas de dança clássica trouxeram expressão poética e metafórica à trama.
A dança moderna do início dos Estados Unidos introduziu novos elementos de movimento e expressão; e no balé, o trabalho de Michel Fokine enfatizava estilos mais naturalistas e uma imagem teatral mais potente do que o classicismo do balé de Petipa. Desde então, as formas coreográficas variaram entre os pólos de representação e abstração.
A notação de dança no século XX passou a preocupar-se tanto com o movimento básico quanto com a dança formal e foi auxiliada pela invenção de novos sistemas de símbolos abstratos - os de Rudolf von Laban e Rudolf Benesh sendo os mais influentes. A labanotação foi a primeira a indicar duração, fluência ou intensidade do movimento. Hoje, esses sistemas e outros continuam a evoluir rapidamente, amplificados por filmes e fitas de vídeo.
A coreografia evoluiu não menos rapidamente. Os métodos de composição variam radicalmente - alguns coreógrafos usam as improvisações de seus dançarinos como matéria-prima, outros planejam todos os movimentos antes do ensaio. Merce Cunningham mudou radicalmente o contexto da coreografia em sua atitude em relação à música e à decoração como coincidência (em vez de colaborativa ou de apoio) à dança, em seu emprego de métodos aleatórios na composição e organização da dança e em seu uso do espaço não teatral. Ele, George Balanchine e Sir Frederick Ashton se tornaram os principais expoentes da dança clássica ou abstrata; mas os dois últimos - como Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins e outros - também produziram grandes obras representativas de coreografia. As únicas regras absolutas da coreografia hoje são que ela deve impor ordem à dança além do nível de pura improvisação e que deve moldar a dança nas três dimensões do espaço e na quarta dimensão do tempo, bem como de acordo com o potencial do ser humano. corpo.
