Ópera veneziana
A inauguração no início de 1637 da primeira casa de ópera pública, o Teatro di San Cassiano, em Veneza - um empreendimento comercial para uma das famílias abastadas da cidade - foi outro fator decisivo no desenvolvimento da ópera. Esse evento acabou removendo a ópera do patrocínio exclusivo da realeza e nobreza e a colocou ao alcance de todos, exceto os setores mais pobres da população urbana italiana. No final do século, Veneza tinha nove desses teatros comerciais, muitos deles dedicados à ópera. Embora os teatros nem todos operassem simultaneamente, eles atraíram, e de fato competiram, pelo público doméstico e internacional. Assim, começou uma tendência, em meados do século XVII, a favor de parcelas com assuntos mais sensacionais, que incluíam elementos de intriga, disfarce e decepção e exigiam maquinário elaborado. A comercialização da ópera também levou a um aumento da influência dos cantores; a ascensão à proeminência dos castrati (homens que haviam sido castrados antes da puberdade, a fim de preservar a alta amplitude e pureza de suas vozes de menino, agora fortalecidas por seus peitos totalmente maduros); e uma ênfase concomitante em árias sobre recitativa.
Teatro ocidental: Ópera
Um dos produtos mais duradouros do teatro renascentista foi a ópera. Nasceu de experimentos da Camerata, uma sociedade florentina
Um aluno de Monteverdi, Francesco Cavalli, tornou-se o compositor de ópera mais popular de sua época, fornecendo às casas de ópera de Veneza mais de duas dúzias de óperas entre 1639 e 1669. Cavalli impregnou os libretos que estabeleceu na música com força e franqueza dramáticas. A mais famosa de suas óperas foi Giasone (1649; "Jason"), cujo libreto de Giacinto Andrea Cicognini incluía episódios farsicos. O principal rival e sucessor veneziano de Cavalli foi Pietro Antonio Cesti, cujo legado inclui cerca de uma dúzia de óperas, principalmente Orontea (1656; libreto de Cicognini). Os compositores venezianos na segunda metade do século incluem Antonio Sartorio e Giovanni Legrenzi e, no início do século 18, Antonio Vivaldi, que compôs 49 óperas para Veneza e outras cidades; muitas óperas de Vivaldi estão agora perdidas. A publicação cara de partituras de ópera cessou quando o gênero se estabeleceu e o patrocínio aristocrático foi interrompido. A maioria das óperas durou apenas uma temporada, após a qual foram substituídas por obras recém-encomendadas. Somente desde o final do século XX algumas dessas óperas, especialmente as de Cavalli, foram recuperadas e revividas.
As óperas venezianas eram casos extravagantes, nos quais os enredos improváveis - uma mistura de elementos cômicos e sérios - se desenrolavam em uma recitação simples, e as árias assumiram um novo idioma lírico. As árias eram geralmente lançadas na forma estrófica (estrofes cantadas com a mesma música) e no metro triplo (batidas em grupos de três), e algumas tinham padrões repetitivos de baixo (ostinatos ou baixos no solo) que prolongavam os pontos altos expressivos da trama. Os compositores venezianos desenvolveram estilos e formas distintos para as muitas árias e duetos solo e prestaram pouca atenção ao coro, que havia desempenhado um papel mais proeminente nas produções da corte florentina e continuava sendo importante para seus contemporâneos romanos. A separação resultante entre recitativa e ária e o foco concomitante em cantores solo tornaram-se características características da ópera pelos próximos 200 anos. Além disso, o número de árias de uma ópera aumentou gradualmente - de cerca de 24 em meados do século XVII para mais de 60 em 1670. Assim, a visão florentina (e monteverdiana) da música de uma ópera é inseparável de sua poesia e drama. logo foi revertida pelos gostos e vontades do público veneziano pagador, que apreciava os elementos visuais de cenários e figurinos, apreciava mais a elaboração musical do que a estrutura dramática convincente e proporcionava uma atmosfera na qual as rivalidades floresciam entre as companhias de ópera e entre seus artistas. cantores muito bem pagos.
Desenvolvimento de estilos operáticos em outras cidades italianas
Várias outras cidades italianas logo desenvolveram estilos operáticos reconhecíveis no século XVII. Em Roma, onde ricos prelados se tornaram patrocinadores fervorosos da ópera, os libretistas expandiram o leque de assuntos para incluir lendas dos santos. A maioria dos compositores romanos da época, como Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi e Michelangelo Rossi, seguiam a tradição florentina, incluindo conjuntos vocais e finais de coral (com dança) para cada ato. Eles divergiram do estilo florentino, aumentando o contraste entre as árias e os recitativos, permitindo que as árias interrompessem a continuidade dramática e tornando os recitativos mais parecidos com a fala e menos interessantes musicalmente. Eles também usaram episódios cômicos para aliviar histórias predominantemente trágicas (como fizeram os venezianos) e introduziram aberturas instrumentais e peças semelhantes a aberturas precedendo atos ou seções de atos.
Dois compositores romanos - o irmão de Mazzocchi, Virgilio, e Marco Marazzoli - são freqüentemente citados como tendo criado a primeira ópera completamente cômica, Chi soffre speri (1639; "Ele que Sofre, Espera"). Seu libreto foi escrito por Giulio Cardinal Rospigliosi, que seria elevado ao papado em 1667 como Clemente IX. O libreto mais famoso de Rospigliosi, Sant 'Alessio (1632; "Saint Alexis"), recebeu um cenário de Landi, que exigia um elenco só de homens, incluindo castrati em papéis femininos - outra característica da ópera em Roma, onde as mulheres não eram permitidas cantar no palco. A ópera foi revivida com sucesso no final do século XX, com uma nova geração de contra-pilotos virtuosos altamente treinados, assumindo os papéis originalmente destinados aos castrati.
A ópera também foi uma parte importante da vida musical em Nápoles, onde a primeira casa de ópera permanente da cidade, o Teatro San Bartolomeo, foi fundada em meados do século XVII. Em 1700, Nápoles rivalizava com Veneza como um centro da ópera italiana, em grande parte devido às obras e influência de Alessandro Scarlatti, que havia conquistado sua reputação em Roma. Scarlatti escreveu pelo menos 32 de suas 66 óperas para San Bartolomeo entre 1684 e 1702, antes da Guerra da Sucessão Espanhola (1701–14) o levou a retornar a Roma. De suas óperas, La caduta de 'Decemviri (1697; “A Queda dos Decemvirs”) - num libreto de Silvio Stampiglia que contém nada menos que 62 árias - representa Scarlatti no auge de sua carreira teatral. Ele continuou a escrever óperas para Roma, Florença e Veneza, antes de retornar a Nápoles em 1709. Lá, no entanto, o estilo de suas óperas estava começando a ficar obsoleto.
Um movimento neoclássico na ópera, originário de Veneza no final do século XVII, começou a purgar libretti de cenas e personagens de quadrinhos e a exigir tramas mais simples, com base nas tragédias dos dramaturgos franceses Pierre Corneille e Jean Racine, que usavam linguagem elevada e defendeu o ideal clássico de unidade de tempo, lugar e ação, que exigia que o libreto tivesse uma única trama ocorrendo em um dia e dentro de um único local ou cenário. Esses valores foram refletidos em um tipo de ópera conhecida como ópera séria (plural: opere serie), ou "ópera séria", distinta de uma ópera buffa (plural: opere buffe) ou "ópera cômica". A série opere de Scarlatti é exemplar no uso de parcelas unificadas com menos de 10 caracteres, cujos sentimentos e personalidades são expressos em uma série de árias da capo, um tipo de ária particularmente associada à série napolitana de opere. A da capo ária era uma forma de larga escala em três seções (ABA), com a terceira repetindo a primeira “do capo, ou cabeça” - ou seja, desde o início. A forma consistia em um poema rítmico, cuja idéia principal foi capturada por um ou dois motivos musicais característicos que foram expandidos para um solo elaborado, cheio de repetições de música e texto emolduradas por ritornelli instrumental. O objetivo do compositor em cada ária era representar uma ou duas emoções dentre uma grande variedade de paixões, a fim de criar um retrato musical do estado de espírito de um determinado personagem naquele ponto da ação - uma função semelhante à da ação. parando hoje o close cinematográfico. Scarlatti imbuiu suas árias com qualidade e profundidade incomuns e forneceu-lhes instrumentação rica e variada.
Entre os sucessores imediatos de Scarlatti, destacaram-se compositores como Nicola Porpora, Leonardo Vinci e Leonardo Leo. Essa geração frequentemente colaborou com o poeta dramático Pietro Trapassi, conhecido como Metastasio - talvez o maior dos libretistas do século 18, cujas obras foram montadas por cerca de 400 compositores até o século XIX. Continuando o costume de basear os libretos na lenda e na pseudo-história greco-romanas, com tramas girando em torno de artistas como Dido, Alexandre, o Grande e Tito, em vez de heróis mitológicos, Metastasio e seu antecessor veneziano Apostolo Zeno escreveram textos de beleza formal e clareza linguística, preferindo assuntos solenes e geralmente trágicos (ópera séria) em três atos a episódios e personagens cômicos.
O termo ópera napolitana, além de sua associação com a ópera séria, também passou a indicar um estilo leve e interessante, às vezes chamado de galante, baseado no primeiro plano de graciosas melodias vocais, apresentadas em frases simétricas e equilibradas. Essas melodias foram contrárias a um acompanhamento mais simples, livre dos ritmos de árias anteriores (do período barroco, correspondendo aproximadamente aos séculos XVII e XVIII) e que apoiavam e não competiam com a voz. Muitas das qualidades que se associaram ao chamado estilo clássico vienense do século XVIII - especialmente a música instrumental de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven - tiveram suas origens no estilo vocal da ópera napolitana.
Em 1730, a ópera italiana, às vezes traduzida, havia chegado a cerca de 130 cidades européias, de Copenhague a Madri e de Londres a Moscou. As convenções cada vez mais rígidas e não-dramáticas da ópera séria suscitaram críticas - como a sátira mordaz Il teatro alla moda, publicada em 1720 pelo compositor-poeta-estadista veneziano Benedetto Marcello. Os elementos básicos de recitativa e ária, conjuntos ocasionais e refrões foram mantidos até os dias atuais, embora suas proporções em relação umas às outras variassem. No século 18, a ópera italiana era verdadeiramente um meio internacional e o único veículo através do qual um compositor de sucesso poderia alcançar fama e fortuna.
