Meios sintéticos
Os meios sintéticos, desenvolvidos por pesquisas industriais, variam dos corantes de tecido Liquitex usados em telas pelo pintor abstrato americano Larry Poons às tintas de esmalte domésticas empregadas às vezes por Picasso e Jackson Pollock.
O meio mais popular e o primeiro a desafiar a supremacia dos óleos é a emulsão de resina acrílica, uma vez que essa tinta plástica combina a maioria das capacidades expressivas dos óleos com as propriedades de secagem rápida de têmpera e guache. É feito misturando pigmentos com uma resina sintética e diluindo com água. Pode ser aplicado a qualquer superfície suficientemente dentada com pincel, rolo, aerógrafo, espátula, esponja ou pano. As tintas acrílicas secam rapidamente, sem marcas de pincel, para formar um filme fosco e impermeável que também é elástico, durável e facilmente limpo. Eles mostram pouca mudança de cor na secagem, nem escurecem com o tempo. Embora não possuam a riqueza estrutural da superfície do óleo ou do encaustic, eles podem ser construídos com uma espátula em impastos opacos ou reduzidos imediatamente em esmaltes coloridos transparentes. O acetato de polivinil (PVA) ou o gesso sintético é aplicado para a preparação, embora se afirme que as tintas acrílicas podem ser aplicadas com segurança diretamente em telas ou algodão cru despreparado. A ampla gama de tons intensos é ampliada por pigmentos fluorescentes e metálicos. As tintas de polímeros são particularmente adequadas para o acabamento preciso e imaculado exigido pelos pintores Op art, minimalista e foto-realista, como Bridget Riley, Morris Louis, Frank Stella e Richard Estes.
Outras mídias
Pastéis franceses
Os pastéis franceses, com os pedaços de pigmento mais afiados usados pelos artistas da Era do Gelo, são os materiais de pintura mais puros e diretos. Os pigmentos pastéis são misturados apenas com goma suficiente para uni-los para secar em moldes de palitos. Geralmente, eles são usados em palitos de papel cru ou em papel colorido de grão grosso, embora o pergaminho, a madeira e a tela também tenham sido empregados. Essas cores não desbotam ou escurecem, mas, como não são absorvidas pela superfície do suporte, ficam como pigmentos em pó e são facilmente manchadas. Infelizmente, as cores pastel perdem sua luminosidade e tonalidade se fixadas com verniz e, portanto, são melhor preservadas em montagens profundas atrás do vidro. Edgar Degas muitas vezes superou a natureza frágil da verdadeira pintura pastel pelo método pouco ortodoxo de trabalhar em papel embebido em aguarrás, que absorveu o pigmento em pó.
Os pastéis de retratos do século XVIII, como Maurice-Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Peronneau, Jean-Étienne Liotard, Rosalba Carriera e Anton Raphael Mengs, misturaram o pigmento com tocos de papel enrolado, de modo que a superfície se assemelhava à de uma pintura a óleo suave. Mais tarde, pintores de pastel, como Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Mary Cassatt, Everett Shinn, Odilon Redon e Arthur Dove, contrastaram grandes massas de cor granular, espalhadas pelo lado do bastão, com contornos quebrados e passagens de cruz solta -chamada e manchas. Eles costumavam usar o chão colorido como meio-tom e, de acordo com a quantidade de pressão manual exercida sobre o giz, variavam o grau de opacidade do pigmento para extrair uma ampla gama de tons e tonalidades de cada cor pastel.
Pastéis de óleo
Pastéis de óleo são pigmentos moídos em mástique com uma variedade de óleos e ceras. Eles são usados de maneira semelhante à dos pastéis franceses, mas já são fixos e mais duros, produzindo um acabamento permanente e ceroso. Pinturas a óleo-pastel são geralmente executadas em papel branco, cartão ou tela. As cores podem ser misturadas se a superfície do suporte for umedecida com aguarrás ou se forem sobrecarregados com aguarrás. Eles são populares para pequenos estudos preparatórios para pinturas.
Pinturas em vidro
As pinturas em vidro são executadas com óleo e resina dura ou com aquarela e goma em folhas de vidro. Estas são uma tradição da arte folclórica na Europa e na América do Norte e, do século XV ao XVIII, foram consideradas uma arte no norte da Europa, onde foram revividas mais recentemente por pintores como Willi Dirx, Ida Kerkovius, Lily. Hildebrandt, Klee, Oskar Schlemmer e Heinrich Campendonck. As cores são aplicadas na parte de trás na ordem inversa. As áreas de vidro não pintadas geralmente são revestidas com mercúrio, fornecendo um fundo espelhado às imagens coloridas. Esse tratamento cria o tipo de relação espacial ilusória e bizarra entre o espectador e o espaço de imagem procurado pelo artista italiano Michelangelo Pistoletto com o uso de imagens fotográficas fixadas em uma chapa de aço polida. As cores vistas através do vidro parecem translúcidas, parecidas com joias e, como não podem ser tocadas, até mágicas.
Pintura marfim
A pintura de marfim foi praticada nos séculos 18 e 19 na Europa e América para miniaturas de retratos. Geralmente eram ovais e desenhados como lembranças, medalhões e quadros de manto. Eles foram pintados sob uma lente de aumento em aquarela bastante seca ou pontilhada de têmpera, com escovas de marta ou marta em finas peças de marfim semitranslucentes. As correções foram feitas com uma agulha. A qualidade de veludo de suas cores foi aprimorada, nos marfim mais finos, pelo brilho produzido por uma folha de ouro ou um fundo colorido.
Laca
A laca é um meio tradicional chinês há mais de 2.000 anos. Combina pintura com relevo de entalhe. Os painéis de madeira cobertos de linho são revestidos com giz ou argila, seguidos por muitas camadas finas de resina de laca preta ou vermelha. A superfície é polida e um desenho gravado, que é colorido e dourado ou inserido com madrepérola. Camadas de papel comprimido ou papel machê moldado também forneceram suportes. Na China e no Japão, a laca tem sido usada principalmente para decorar painéis de santuários, telas, caixões, cestos (cestos grandes) e instrumentos musicais.
Pintura em areia ou seca
A pintura em areia ou seca é uma arte religiosa tradicional dos índios norte-americanos; ainda é praticado em cerimônias de cura entre os navajos do Novo México e Arizona. Arenito moído, ocres naturais, terras minerais e carvão em pó são aspergidos em um padrão marcado em uma área coberta de areia branca e amarela. O paciente fica no centro desse design simbólico vívido de formas figurativas e geométricas coloridas. Após o ritual, a pintura é destruída. Essas fotos no chão influenciaram Pollock em suas pinturas de ação espalhadas horizontalmente.
Papel
A partir do final do século 18, os perfis e os retratos de grupo completos foram cortados em papel preto, montados em cartão branco e frequentemente destacados em ouro ou branco. Uma silhueta (“sombra”) pode ser delineada primeiro a partir da sombra projetada da babá com a ajuda de um fisionotrace. A artista americana Kara Walker reviveu a técnica da silhueta com uma série de trabalhos controversos que comentavam raça, gênero e classe.
Colagem
A colagem era a técnica dadaísta e cubista sintética de combinar etiquetas, ingressos, recortes de jornais, recortes de papel de parede e outras superfícies "encontradas" com texturas pintadas. Entre as obras mais líricas e inventivas deste meio de pega, estão as chamadas colagens de Merz de Kurt Schwitters. Frottage era o método de Max Ernst de retirar resíduos de papel das superfícies, sem relação entre si na vida real, e combiná-los para criar paisagens de fantasia. Formas de papel cortado, coloridas à mão em guache, foram usadas por Matisse em suas últimas pinturas monumentais; Piet Mondrian compôs seu famoso Victory Boogie Woogie (1942-1943) em recortes de papel colorido.
Meios mecânicos
O uso de meios mecânicos na pintura tem paralelo a desenvolvimentos semelhantes na música e no drama modernos. No campo da cibernética, os pintores programaram computadores para permutar desenhos, fotografias, diagramas e símbolos através de seqüências de distorção progressiva; e os padrões de luz são produzidos nas telas da televisão por interferência magnética deliberada e por oscilações das ondas sonoras. Os artistas também exploraram as possibilidades expressivas e estéticas dos hologramas lineares, nos quais todos os lados de um objeto podem ser mostrados por imagens de luz sobrepostas. Pintores estão entre aqueles que ampliaram os limites do cinema como forma de arte. Exemplos incluem as fantasias surrealistas criadas por Berthold Bartosch, Jean Cocteau, Hans Richter e Salvador Dalí, pelos balés filmados de Schlemmer e pelas animações abstratas pintadas à mão de Norman McLaren.
Para alguns artistas conceituais, a linguagem era o meio. As próprias palavras - escritas em luzes de neon ou LED ou projetadas em galerias ou paredes públicas - serviram de arte para artistas como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner e Jenny Holzer.
